Archive for the CINE crítica y reflexiones Category

Cine.LUYS COLETO: Cinematográfica alacridad de moza: la magistral ¡Buenos días, mundo!

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones with tags , on septiembre 25, 2021 by César Bakken Tristán

Acomete el día, alborada estrepitosa. Y unos somormujos zapatean, un martín pescador escudriña su lugar bajo el sol y una tortuguita alucina en colores en este hábitat tan agitado y estremecido y trepidante. Hechizante entorno natural preñado de agua y bosques, una decena de animales de especies disímiles nacen y crecen y se observan y se persiguen y juguetean. Mientras, en el agua, una exigua merlucilla anhela ser gigantona, una púber libelulilla quiere aprender a guerrear y una salamandra desea salir de las aguas y descubrir que más allá de éstas, existe rebosante y aterida vida.  También, por allí, columbramos a un castor autosuficiente que observa los movimientos de un disparatado avetoro lentiginoso que ansía llegar hasta la luna volante y volandera. En el pináculo de los árboles, una lechuza alza el vuelo cruzándose con un murciélago melómano. Un día más, sin más.

Fascinante experiencia cinematográfica

¡Buenos días, mundo!, apariencia sencilla, colosal ambición expresiva, casi un decenio de sufrido quehacer artístico. Proyecto capitaneado por los franceses Anne-Lise Koehler y Éric Serre, el fascinante resultado es un breve largometraje, de poco más de una hora, que sin embargo está construido con una minuciosidad impresionante, usando preferentemente la técnica del ‹stop motion› sobre esculturas erigidas en papel maché.

Nos hallamos ante una suerte de documental ficcionado que transita el bullir existencial de diversos animales en un lago y el bosque que les rodea. La cinta se revela como una abracadabrante y muy talentosa panoplia de los ciclos vitales de fauna y flora, mientras una voz en off conduce a los animales, desde su comienzo hasta su vida adulta, haciéndoles plantearse su lugar en el mundo y a comprender, finalmente, quiénes son. El abisal, hadal más bien, asunto de la identidad pululando e impregnando todo el prodigioso film.

Maravillosa música del corazón o nocturna sinfonía

Podemos y debemos cuestionar la discutible costumbre de antropomorfizar animales y atribuirles sentimientos y emociones humanas, una forma de animalizar, en el peor sentido, a la curiosísima especie sapiens sapiens. E, ineludible inversión, humanizar a aquellos: peligroso volteo. Sin embargo, tal avatar no empece para sentirnos embrujados durante todo el metraje, sondeando con la idónea mixtura de seriedad y viveza un ecosistema complejo y fascinador, en el que quedan bien reflejados tanto el viaje personal de cada protagonista como la relación que todos ellos establecen con su entorno.

En definitivo, magistral obra de animación que mezcla técnicas diversas. Las señeras, la citada del stop-motion, además de la animación tradicional, con fotografía virando a difusa sepia. Cientos de figuras realizadas en papel maché representan 76 especies animales, 43 especies vegetales y 4 especies de hongo. Todo ello para recordarnos oportunamente lo trascendental que es mantener y respetar el equilibrio de los ecosistemas. El film también contribuye a que observando el entorno que nos rodea, nos conozcamos y reconozcamos también a nosotros mismos y a los demás y, sobre todo, en qué consiste la fascinante aventura de crecer. De vivir, en definitiva. Todo ello tan alejado del eugenésico ecologismo antihumano que tanto se vende actualmente con la mula ciega de la farsa climática. Geoingenieros de por medio. O no…

…“Escuchar la música del corazón o la sinfonía de la noche”, dice el pequeño búho. Cada uno que escoja. Ambas, tal vez. En fin.https://www.youtube.com/watch?v=To8Bh4G5MV4&t=71s

Cine. LUYS COLETO: Aterrizan en los cines españoles los encantadores y malolientes Olchis.

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones with tags on septiembre 23, 2021 by César Bakken Tristán

Basada en la homónima saga de libros para infantes escrita por Erhard Dietl se nos narra la historia de los olchis, unas alienígenas y verdosas – “demasiado verdes” – criaturas tan fétidas como afectuosas. En esta aventura llegarán, cabalgando  a lomos del dragón Firebottom, hasta la localidad de Smellville. Todo ello con el propósito de encontrar un hogar donde poder instalarse definitivamente.

Tipos majetes los olchis

Los ochenta son nuestros (y había cierta libertad)

Los olchis (ogglies en el original) llevan calcetines sucios (comen su “sopa”, de hecho) y respiran a todas horas aire contaminado.  Profieren sin descanso lenguaje extremada y jocosamente soez, haciendo constantes y, por momentos, chuscas referencias a cosas y situaciones apestosas: arcadas, regurgitaciones, vómitos, eructos, flatulencias. Hozan entre montañas de basura, conviven con residuos tóxicos, usadísimas bolsas de plástico, puercos neumáticos, charcas de alquitrán, latas oxidadas, objetos grasientos. Para ellos, Smellville es un el paraíso.

Deudora de inmortales clásicos ochenteros, como Cuenta conmigo, Los Goonies o ET, aparecen en la cinta dirigida al alimón por los alemanes Toby Genkel (la saga ¡Ups! ¿Dónde está Noé?); y Jens Møller (Lego Ninjago: Maestros del Spinjitzu o  Lego Star Wars: Las crónicas de Yoda), detalles que nos retrotraen a tal década: la llegada de un elemento ajeno, críos en bicicleta que descubren un hallazgo, un villano tras el que se transparente un contundente denuncia social, en nuestro caso, feroz ataque a la desorejada corrupción empresarial e inmobiliaria.

Olchis y humanos confraternizando

¿Ecototalitarismo?

Mientras, en el ínterin, se transmite olor, pudiese ser hedor, a algo que ya hemos visto muchas veces antes: discutible mensaje a favor de la tolerancia (¿como aceptación de todo?), la valoración de lo diferente y la apuesta por una sociedad “ecologista” que convive en armonía con el entorno que nos circunda. Una ecología demasiado deudora del eco-totalitarismo eugenésico que el genocida Nuevo Orden Mundial nos tiene preparado: el ser humano deviniendo plaga del planeta.

La animación es hacendosa y trepidante y vívidamente colorida y, aliándose a la banda sonora, todo deviene frenesí y proteica acción. En conjunto, la película es entretenida y liviana, agradeciéndose de paso que aterricen cada vez más en nuestra patria cintas animación europea y procedente de otras naciones alejados de las grandes industrias hollywoodenses y adyacentes.

Muy buen cine de animación europeo

Títulos sobresalientes como El jinete del dragón o Los Elfkins (ambas también germanas), La casa mágica, Ballerina, Mina y el mundo de los sueños o la más reciente D’Artacán y los tres mosqueperros confirman la sólida evolución de la industria de animación en el viejo continente siendo todas – o casi todas – propuestas harto macizas, muy solventes y sutilmente sofisticadas que nada tienen que envidiar a eficaces títulos de DreamWorks o Disney. Incluso, específicamente, de Pixar

…Y en las salas vascas, además del doblaje en español, si es su deseo, pueden verla en euskera. Oltxiak, pues. Además, buen euskera, se lo confirmo. En fin.

Cine. LUYS COLETO: La última noche, Spike Lee: la vida que pudimos tener… y no tuvimos.

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones with tags , on septiembre 10, 2021 by César Bakken Tristán

Indudablemente, la mejor cinta de Spike Lee, año 2002.  Se olvida de negratas y agravios y victimismos le sale una obra maestra. Abisal viaje sobre lo que pudo ser y no fue, sobre lo tarde que nos damos cuenta de ciertos y cruciales asuntos, sobre la imposibilidad de volver el tiempo atrás y desandar lo (pésimamente) hecho. Postreras 24 horas en libertad de un hombre que está a punto de ir al maco, Lee cuenta también la historia de una heridísima Nueva York post-autotentado del 11-S: zona cero, espectaculares luces que lo iluminan y la espectral atmósfera tanática que lo impregna todo.

¡Jódete tú, lo tenías todo y lo echaste a perder, gilipollas!

Basada en una magnífica novela de David Benioff, y con guión del propio autor, La última noche (también traducida en España como La hora 25) contiene, tal vez lo recuerden, unos de los mejores monólogos de la historia del cine. Que se jodan, lúcido monólogo, sin más. Finalmente, veracidad, que se joda Montgomery Brogan.

Lo último por hacer

De todas formas, La última noche nos ofrece su jaque mate para una secuencia final sencillamente inolvidable. Una nueva vida, ya imposible. Una nueva mujer, una nueva familia, un nuevo lugar donde morar, añorar, olvidar. Inextinguible melancolía…

…Secuencia final, ultimísimo resuello de alguien a punto de morir, ese insignificante pero imperecedero  momento entre lo que fue y lo que podría ser. Asombroso deviene que deviene categórico y desesperanzado plañido por una ciudad (¿o una patria?) que ya no es. Y no será. Y una vida que ya fue. Y que no será. Con la plandemia, vuelta de tuerca. En fin.https://www.youtube.com/watch?v=LUojGQTU424

CINE. Sidney Lumet: del cielo al infierno (de su primera a su última peli)

Posted in ARTÍCULO-INSULTO, CINE crítica y reflexiones with tags on agosto 6, 2021 by César Bakken Tristán

Parece mentira, a parte de lo que la minga estira, la carrera cinematográfica de uno de los grandes: Sidney Lumet. Hace unos días vi su última “cinta”: “Antes de que el diablo sepa que has muerto”. No podía creer que la dirigiera él, pero sí, es de él. Si la senectud es eximente, bueno, pues vale, pero si no, pues al lío.

Parece mentira que un director que empezó con la impresionante e imprescindible “12 hombres sin piedad” acabara su carrera con semejante traspiés.

De Henry (Fonda) a Hoffman (Philip Seymour) y tiro porque me toca.

Parece mentira debutar con un grande como Fonda y acabar con un mierda como Hoffman (dicen que se suicidó, supongo que no pudo soportar sus propias pelis). De su primera peli no diré nada, salvo que la veáis y si ya lo habéis hecho, que lo hagais otra vez, creedme que las buenas pelis son un oasis y ya casi un espejismo. ¡Mi reino por un buen guión!

De la ulti… en fin, como dice Don Luys o “en principio, que es más progresista” como dice Mafalda. A ver… ¿a qué mente perturbada se le ocurre un argumento donde 2 hermanos asesinan a su madre (por dinero) y luego el padre de ellos asesina a uno de ellos, heroinómano, (Hoffman) cuando está moribundo en el hospital? Todo ello aderezado con las tetas de plástico de Marisa Tomei, esa pésima actriz que tuvo que ponerse tetas de Barbi para que los espectadores se fijaran en ella y eso que en “Óscar”, (“…quita las manos” en Espena) hace un buen papel… pero luego… sin tetas no hay paraíso.

¿Cómo se le ocurre a Lumet empezar una peli con Hoffman sodomizando (o follando a “perrito”) a Tomei? De verdad… Sidney o Canberra o Melbourne… ¿por qué tanto dolor? Luego, por si nuestras retinas no lo habían retenido, nos la pone follando con Ethan no sé qué, uno que debutó con la atroz “El club de los poetas muertos” (el prota se suididó. Karma llamando a todas las puertas) y se hizo famoso con estúpidas comedias románticas, que ni son comedias ni románticas… ¿sabrán algo del movimiento artístico romántico estos de Jolibud? Mira que si nuestro Larra se pegó un tiro por nada… El personaje de Ethan no sé qué, es el hermano de Hoffman… las perversidades han de ser familiares, claro. Y el Ethan no sé qué está divorciado, por supuesto. Y ambos matan al camello de Hoffman, y le roban para pagar un chantaje del hermano de la mujer del compinche de estos 2, que muere matando a la madre de ambos… Hay que mostrar el protopio de familia destrozada y psicopática que quiere el NOM. La felicidad humana hace décadas que murió. Palabra del NOM, de adoramos, NOM.

El guionistas se lució. Claro que con ese argumento qué coño iba a hacer el pobre multimillonario (sí, en Jolibud hasta los guionistas, que suelen ser los propios directores, actores, productores… ganan millones). En un alarde de gallardía, decidió recurrir a la trampa de no hacer el guión lineal, es decir, hacerlo a base de saltos en el tiempo (flash back – hacia atrás – y flash forward – adelante – constantes). Imagidad, queridos niños, que os cuento la historia de cómo me hago un huevo frito, mejor 2, vamos a ser ambiciosos con la historia. La trama lineal soy yo en la cocina friendo 2 huevos. Luego me los como. FIN.

Bueno… tal vez es un argumento algo flojo, ¿no? Entonces vamos a aderezarlo en el guión. Lo primero que un guionist@ de mierda ha de hacer es aplicar mi máxima: “Cuando no sepas que contar, pon a los actores a follar”. Así que yo, como hizo Lumet, empiezo mi peli de los huevos follando con una Tomei al uso (casi todas las actrices dejan que sus personajes sean tan mezquinos). Podría valer una paja, como en “Algo pasa con Mery”, pero si puedes fornicar, mucho mejor para el espectador, qué duda cabe.

Bueno… tras el polvo no puedo ir directamente a la nevera a por los huevos, así que metemos un “flash forward” y se ve un plato con restos de huevos y yo masticando satisfecho. Aquí el espectador se queda descuadrado. Inmediatamente volvemos a las tetas de la que me he follado y le ponemos una frase chunga del tipo: “¡Eres un cerdo, no te aguanto más!”. De esta manera ya tenemos al espectador atribulado… pero no lo suficiente para estar turulato, que es el espectador que queremos. “Traed madera” que decía Groucho en el Oeste. Nuestra madera es añadir al grito de la de las tetas de plástico un: “Se lo voy a contar todo a la policía”, así el espectador se queda espectante y sabe que hay delito de por medio y, encima, metemos a los maderos, esos siervos del NOM que salen en todas las pelis de ahora.

Pero hace falta más chicha, algo emocional como una llamada telefónica de una madre, por ejemplo, entre los insultos y amenazas de la tetas de plástico y la nevera. El prota pone el manos libres mientras coge los 2 huevos. Pero antes de que los casque, metemos un “Flash back” y vemos a esa madre de joven – a la cual identificamos por la voz – con un nene, en unos columpios y en blanco y negro. En voz en off ponemos a la de la tetas con otros insultos al de los huevos fritos (recordad que ya le hemos visto comérselos) y así lanzamos un tomahok o como se escriba… bueno, que lanzamos un hachazo a la sensibilidad del espectador que cree estar viendo algo emocionalmente molón al mezclar infancia, maternidad y relación sentimental tempestuosa pero con sexo muy satistactorio. Eso sí, os recomiendo que el actor sea un mazas guaperas, no Hoffman.

Cuando el espectador cree que por fin voy a cascar los huevos, qué va, no podemos ejecutar la trama tan rápido. Hacemos otro “flash back” y salgo yo, bien vestido con la de las tetas, pero esta vez tapadas. Tomando unas birras en un bar, por ejemplo, y diciendo algo así: “Si mi hermano descubre lo nuestro nos matará” ¡Hala! con eso basta y volvemos a la cocina. Ahora sí puedo cascar los huevos. Pero al echarlos en la sartén metemos un “flash forward” y sale la madre esa discutiendo con un hombre de su edad, y para que sepamos que es mi padre, que diga: “(poned un nombre) siempre lo ha hecho todo mal porque tú se lo has consentido todo. Lo que le pasa ahora es por tu culpa” Y el tío sale medio llorando y con un cabreo de 3 pares de pelotas. La madre llora desconsolada y para que sepamos que (poned un nombre) es el padre del prota, dice, desconsolada: “¡Pero es tu hijo!”. Ahora sí podemos volver al tiempo real de la trama y ver como me como, muy despacio – oscenamente incluso – los 2 huevos fritos.

Pero esto no da para hora y media de peli. Así que tenemos que volver a los “flash” y mostrar lo que nos salga de la minga, pero que siempre salga algún personaje de la trama y sexo y violencia, mucha violencia y sanguinolenta, y alguna pota, que no se nos olviden las potas. Y el espectador ahí hipnotizado. Le has contado la historia de un tío que después de echar un polvo se hace, y se come, 2 huevos fritos. Y ellos (los espectadores) creen que han visto cine.

Eso sí, este peliculón de los huevos jamás os lo producirán, porque tenéis que meter incesto, sexo explícito y sin sentido narrativo, ultraviolencia expresa, infanticidios, parricidios, racismo, lucha contra el racismo, ideología de género, lucha contra la ideología de género, mascotas, lucha contra el maltrato animal, fascismo, comunismo, ilusión, desesperación, pederastia vealda, lucha contra la pederastia, policía, ladrones, dinero, pobreza, escatología… en definitiva, hay que aderezar cada peli con lo que el NOM y el espectador neófito en cine, demanda. Y en mi peli de los huevos sólo hay sexo, escatología y violencia. No da la talla.

Pero Sidney Lumet la hubiera dirigido encantado. La hostia puta.

Cine. LUYS COLETO: Space Jam, Nuevas Leyendas: padre busca a hijo en mundos virtuales.

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones with tags on julio 28, 2021 by César Bakken Tristán

En la saga Space jam(1996), primer fragmento, memorable encontronazo contra un equipo de disparatados y atrabiliarios y biliosos alienígenas. El rotundo relato devino, de alguna manera,  el Regreso al futuro de los años noventa o el Dirty Dancing epocal, aunque las únicas coreografías concurrentes las radiografiaba Air a cadencia de mates y  triples. En tal cinta noventera, el prodigioso Jordan se  convertía en impagable auxilio de los portentosos Looney Tunes.

Echar unas canastas, triunfar y recuperar a su hijo y a su familia

Cinco lustros después, el escolta de los Lakers, LeBron James, es quien solicita ayuda a los magistrales cartoons de la Warner Bros para echar unas canastas, triunfar, salvar su mundo y recuperar a su hijo y a su familia. LeBron deberá enfrentarse a un pérfido y megalómano algoritmo con forma humana cuyo exclusivo interés es obtener nombradía y dudosa reputación en el denominado serviverso. En tal y paralelo mundo virtual, abducidos por Al-G Rhythm (Don Cheadle), LeBron y su retoño Dom (Cedric Joe) deberán enfrentarse a un desafío canastero que determinará inexorablemente su inmediato futuro.

Enfrentados por su disparidad de opiniones, la relación padre-hijo, hadal quiebra, dará lugar a heroica epopeya en la que las normas del baloncesto quedan definitivamente eclipsadas, el juego queda presidido por los cánones de los videojuegos y el universo ‘gen z’, mientras saturan  la pantalla y estragan nuestras retinas con la Inteligencia Artificial y la realidad aumentada  a través de estroboscópicas luces de neón, extrañas levitaciones, power ups, trucos “mágicos” y plurales y letales delirios tecnológicos: hacia el transhumanismo y más allá.

Cameos, guiños y lobregueces

Pulula por la cinta abundante panoplia: desde Bugs Bunny y Porky a Coyote y Correcaminos, sin olvidar al más grande: el pato Lucas. Y por supuesto cameo de Michel Jordan. O la aparición, también, de otros grandes baloncestistas: Anthony Davis, Klay Thompson, Damian Lillard. Y, sobre todo, la jugadora Diana Lorena Taurasi,  Phoenix Mercury de la WNBA (la NBA femenina) y UMMC Ekaterinburg, Liga rusa, pues. Cameos aderezados con innumerables guiños: Juego de Tronos,  los personajes de DC Comics, Matrix, Buscando a Nemo y, sobre todo, Harry Potter: de baloncesto a quidditch, toque genial. Y la evangélica parábola lucana( 15, 1-3, 11-32) pululando en el ambiente: el hijo pródigo. Padre misericordioso, mejor expresado.

Y en el bando rival de los malotes, aparte del citado algoritmo con apariencia humana, emergen un hombre de hielo y fuego, una arácnida hembra y un androide capaz de controlar y diferir el tiempo. Hermoseado con prescindible toque vintage, en esta nueva peripecia de Space Jam, Nuevas Leyendas, dirigida a la sazón por Malcolm D. Lee, brota dolorosa sombra: la historia, cinematográficamente hablando, agoniza  bien pronto, la trama no da para dos larguísimas y excesivas horas, además producirse la acre sensación de que algunas secuencias acaecen forzadas. Otras, extremadamente predecibles.

Lo mejor

Y luz: relato, glorioso basket aparte, que retrata una seductora y poderosa historia paterno-filial: un enojo padre-hijo que desemboca en acometida virtual acontecida en entretenida y difusa entelequia tecnológica. Tecnocrática, pues. Y, por supuesto, tal vez todos necesitemos un Dream Team. Pero de verdad. En fin.

CINE. RAFAEL LÓPEZ: Nombres propios de mujer

Posted in © RAFAEL LÓPEZ opina, CINE crítica y reflexiones on julio 17, 2021 by César Bakken Tristán

No, queridos lectores, ésto no es un ‘deja vu’ (es un término francés que significa ya lo he visto, o vivido) del pasado martes cuando, bajo la misma cabecera de artículo, aborde canciones cuyo título era un nombre de mujer. Porque hoy me dedicaré al cine, y lo hago con plena conciencia, y sana coincidencia, en esa natural cortesía masculina, de dejar pasar primero a las mujeres, ya que, dicha elegante costumbre, también tiene predicamento en mis píldoras cinematográficas. 

Antes de avanzar en mi artículo debo realizar una advertencia universal para todas las píldoras cinematográficas que vayan apareciendo, semanalmente, en este estupendo blog. En mi primera cita (la semana pasada) les pude facilitar sendos enlaces donde visionar, gratuitamente, las tres películas seleccionadas, ofreciendo con ello un material videografico estupendo para pasar la semana. Esa es, y será, mi intención, durante este viaje cinematográfico, pero el hecho de que, en la píldora de hoy, me he encontrado con un par de problemas para brindarles enlaces, de acceso gratuito, para ver las películas me obliga a ser sincero, y en base a ello informarles que, siempre que pueda localizar un material digno para su visionado (tanto en versión original como doblada al español), se les ofrecere gustosamente, pero tengo muy serias reservas en poder alcanzar ese ambicioso objetivo todos los fines de semana. 

Teniendo en cuenta que “Laura” y “Jennie” ya habían aparecido, en mi cita con el cine, he pensado en otras tres estupendas películas.

Los títulos elegidos son :

– 1939 ↪ “Ninotchka” de Ernst Lubitsch
– 1943 ↪ “Jane Eyre” de Robert Stevenson
– 1964 ↪ “Marnie” de Alfred Hitchcock

De nuevo tres europeos a los mandos de estas estupendas obras, intuyo que, perfectamente reconocibles, para la mayoría de los lectores, pero cuya calidad admite siempre un nuevo visionado. Si por el contrario, es la primera vez que tienen ocasión de verlas atense las alpargatas, porque van a poder tomar una píldora concentrada del mejor cine, grandes tramas, sublimes diálogos, actuaciones estupendas, en fin, una delicia para los sentidos. 

Tenía guardados unos enlaces de las tres películas pero el de “Jane Eyre” lo habían eliminado estos sacamantecas de YouTube, aunque, afortunadamente, he podido encontrar uno alternativo. Sin embargo con “Marnie” no he tenido tanta suerte porque, el enlace disponible tiene una imagen de tan pésima calidad, que me avergonzaria el ofrecerseles. Ello no quita para recomendar la película sin reservas, si tienen posibilidad de acceder a una copia en vídeo, DVD, o emisión televisiva, con buena calidad. 

Podría escribir hasta aburrirles, sobre cada una de ellas, pero un material tri-abrumador tan potente me llevaría a una extensión que convertiría este artículo en un tedioso texto de un juntaletras otoñal. Por ello, prefiero mantener mi filosofía de que lo principal es que vean buen cine, y les dejo hasta mi próxima cita del fin de semana. Por supuesto atenderé, en la opción de comentarios, cualquier sugerencia, u opinión. 

Sí he de indicarles para que elijan, que película ver en cada momento, que “Ninotchka” es una comedia deliciosa con unas pinceladas románticas, “Jane Eyre” es un drama romántico de tomo y lomo, y “Marnie” (en España “Marnie, la ladrona”) es un buen retrato psicológico, y afectivo, de una mujer, cuyos traumas infantiles la han conducido a ser una cleptomana, y una frigida.

Advertirles que el enlace de “Ninotchka” tiene un preámbulo ajeno a la película, perfectamente prescindible, que dura 5 minutos y 10 segundos, por lo que, si quieren pasar directamente al inicio de la cinta, omitanlo. Lamentablemente hay un fallo de sonido entre los minutos 36:25 al 38:35, pero tengan paciencia porque merece la pena ese sordo sacrificio con tal de disfrutar de esta inmortal comedia. 

https://m.youtube.com/watch?v=n7VnBz75ujY
https://www.google.es/search?q=jane+eyre+1944&prmd=visn&sxsrf=ALeKk00h-cDwbNbukoJ9u2KAKzpTxUD-bg:1626007462872&source=lnms&tbm=vid&sa=X&ved=2ahUKEwilvOfphdvxAhUPlxQKHZ7xAXsQ_AUoAXoECAIQAQ&biw=480&bih=724&dpr=1.5#fpstate=ive&vld=cid:dc4e4a2d,vid:r3OmOnNj858,st:0

Cine. RAFAEL LÓPEZ: Películas y cuadros

Posted in © RAFAEL LÓPEZ opina, CINE crítica y reflexiones with tags on julio 9, 2021 by César Bakken Tristán

Comienzo mis píldoras cinematográficas manteniendo el hilo de cierta reflexión realizada en “Laura”, mi última “recomendación clásica”, realizada hace un par de semanas. Destacaba entonces la poderosa presencia del cuadro de Laura en el salón de su apartamiento.  En esta transición, a mis novedosas píldoras, he creído oportuno seguir buceando en aquéllas películas cuyas tramas presenten una notoria influencia de un cuadro, o de la inspiración pictorica.

El material que les voy a presentar no se trata de ese tipo de películas autobiográficas sobre pintores, siempre tan tributarias de su vida y obras, como, por ejemplo, mi recomendación de hace mes y medio “El tormento y el éxtasis”, sino de historias en las que un cuadro ejercerá en parte, o en todo, una influencia notable en el desarrollo de la narración. 

Las tres obras, de primerísimo nivel, que les presento son:

– 1944 ↪ “La mujer del cuadro” de Fritz Lang
– 1945 ↪ “Perversidad” de Fritz Lang 
– 1948 ↪ “Jennie” de William Dieterle 

Habrán observado que son tres películas realizadas en la misma época, coincidencia que no se limita a su fecha de realización ya que comparten la procedencia europea de sus directores (Fritz Lang era austro-hungaro y Dieterle alemán). En cada una de ellas un cuadro ejercerá una influencia muy diferente, y aunque no quiero extenderme en demasía, les realizaré un sucinto comentario de cada una de estas grandes obras :

Fritz Lang dirigió a Joan Bennett y Edward G. Robinson en esta historia, mucho menos angustiosa la segunda vez que se visiona, porque conocer el desenlace aligera, significativamente, la tensión de la trama. Es una cinta de gran calidad, con buenos diálogos y una imagen más que notable que ofrece nuevos detalles en cada visionado. Colaboran con el dúo protagonista grandes actores como Raymond Masey y Dan Duryea, en una historia que contiene grandes dosis de suspense.

Al año siguiente el mismo director se embarcó en una nueva película con la misma pareja protagonista, aunque, en esta ocasión, la historia tendrá un contenido, y un final, más amargo y trágico. Vuelve a acompañar a Joan Bennett y Edward G. Robinson el solvente Dan Duryea en un papel de buscavidas sin escrúpulos que borda. 

La escena en la que el personaje que interpreta Edward G. Robinson le pinta las uñas de los pies a Joan Bennett memorable. Los diálogos, y la convivencia, con su esposa ofrecen, también, momentos de gran nivel. 

Y, finalmente, “Jennie”, o “Retrato de Jennie” según las fuentes (el título original en inglés se ajusta mejor al segundo de ellos), película que fue considerada por Buñuel como una de las mejores que se habían hecho. No discutire el criterio de mi paisano calandino, y si les puedo decir que el elenco de actores, de primer nivel, está encabezado por Jennifer Jones, Joseph Cotten (uno de mis galánes preferidos), y la estupendisima Ethel Barrymore, cuya sola presencia dignifica, mejora y ennoblece, cualquier película. 

El productor, de esta cinta, David O. Selznick, esposo por entonces de Jennifer Jones, contrato al famoso retratista estadounidense (aunque ucraniano de nacimiento) Robert Brackman para que, durante una quincena de sesiones, realizase el cuadro que aparece al final de la pelicula. Dicho obra pictórica fue adquirida, por el propio señor Selznick, al finalizar el rodaje (lo que desconozco es si la colocó en el salón de su casa).

Al igual que las anteriores, posee una buena imagen, sonido y diálogos. En esta ocasión la trama gira sobre la inspiración artística, ofreciendo referencias continuas a los sueños, y los presentimientos, como soporte de la misma. 

Se que va a resultar empresa harto complicada pero pretendo, con estas píldoras, ofrecerles la mayor cantidad de cine posible, ¡buen cine!, ¡grandes películas!, porque lo mejor que se puede hacer por el séptimo arte es ver abundante y de cálidad, así se educa el “paladar” y el cerebro. 

Estamos de enhorabuena porque, para esta primera píldora cinematográfica, les puedo ofrecer sendos enlaces de las tres películas, con lo cuál podrán disponer de un fondo de armario cinefilo, de primerísimo nivel, hasta mi siguiente entrega el fin de semana próximo. Las dos primeras son en versión original subtitulada en español, mientras que “Jennie” esta doblada en español. 


https://archive.org/details/1944-the-woman-in-the-window-la-mujer-del-cuadro-fritz-lang

https://archive.org/details/1945scarletstreetperversidadmalamujerfritzlang

LUYS COLETO: La insoportable levedad del feminismo en el actual cine de animación: Spirit (Indomable).

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones with tags on junio 28, 2021 by César Bakken Tristán

El recordable momento de las antaño princesas, hogaño “empoderadas” hembras, en Rompe Ralph 2. O, también, las segundas partes de Los Croods o Los increíbles. Volteo de tuerca: Raya y el último dragón. Descanse en paz la honorable masculinidad. Lo postrero, Spirit (Indomable), al menos sin cargar – alivio, alacridad, albricias -, en esta ocasión, demasiado las tintas feministas.

Innecesaria película

Celuloide extremadamente moroso de la reciente y deplorable serie televisiva emitida en  Netflix, Spirit: Cabalgando en libertad, que salió adelante, parece ser, tras “advertir de la ¿escasez? de oferta de aventuras para niñas”. Sic. La guionista escogida para tan memorable disparate fue Aury Wallington, quien también escribe la historia de esta cinta. Vasos comunicantes, pues. El asunto hembrista vira hacia el tedio. Infinito.

Nueva peripecia cinematográfica de los estudios DreamWorks Animation, Universal mediante, sendereando abiertamente, en esta ocasión, hacia el 3D. La primera y recordada entrega de Spirit. El córcel indomable (nominada a los Óscar) transcurría, como ésta, en el salvaje Oeste yanqui y relataba amargo combate de fascinante corcel mustang por vivir en libertad, divino tesoro, enfrentándose a todo tipo de peligros.

Leve barruntos del venerable western

Pero, ains,  nuestra comentada cinta actual (¿remake?¿secuela? ¿reboot?), dirigida,¡¡¡por favor!!!, por otra mujer, Elaine Bogan, no acopia apenas nada  de la sólida potencia de aquel. El filme hereda, eso sí, como recordábamos antes, pulcra y agraciada ambientación de western pero todo deviniendo mediocre y desaprovechado, muy despilfarrado: todo acontece cual mundano antojo de una niña que se supone trastornada por un trauma infantil.

La historia deviene como sigue. Fortu, la niña prota, regresa en verano a su pueblo natal, Miradero, donde mora su padre porque, tras el fallecimiento  de su madre – una brava y bizarra amazona de caballares números – no tuvo más remedio que se criarse junto a su yayo y su tía Cora. Aunque en principio, Fortu intuye somnífera estancia canicular, no tardará demasiado en poder considerarlo el verano de su vida, perenne y amicalmente custodiada por unas chavalas de análogas calendas que semejan atroz y desvariado facsímil de las siniestras y “autosuficientes” muñecas Mini Bratz.

Envolturas rescatables

Al menos, perviven en el recuerdo, dos o tres cositas. Poderosos y seductores pliegues en el dibujo. Y una atrayente banda sonora, original de Amie Doherty, que pasa a ser la primera mujer compositora – ¡¡¡ cómo no!!! – de una película de estos célebres estudios de animación, tan Katzenberg/Geffen/Spielberg…

…O, nuevo y piadoso esfuerzo rescatador, la tonada principal de la película, Fearless, interpretada por Eiza González e Isabela Merced. El resto, tupido y necesario velo. De Isis, imagino. En fin.

Cine. RAFAEL LÓPEZ: “Laura” de Otto Preminger.

Posted in © RAFAEL LÓPEZ opina, CINE crítica y reflexiones with tags , on junio 25, 2021 by César Bakken Tristán

¡Qué mejor manera de recuperar el halo cinefilo, de mi cita de los viernes, que con un clásico imperecedero! “Laura” es un películon de Otto Preminger, del año 1944, que cuenta con un elenco de actores de primerísimo nivel: Gene Tierney en un papel muy lucidor en el que muestra un aspecto, realmente, imponente, Dana Andrews, el gran Vincent Price con su esplendida voz y porte, la estimulante presencia de Judith Anderson y, para mi, el más interesante de todos Clifton Webb, en un papel que borda, y por el cual estuvo nominado a los Oscar®. 

La trama de la película gira sobre una mujer que es asesinada por error, y de cómo, paso a paso, iremos descubriendo a todos las personas que rodearon a Laura, en un entramado de complejas relaciones sentimentales. Laura debería haber sido la víctima, pero cuando a mitad de la película aparece entrando en su apartamiento, ajena a lo sucedido, toda la trama se vuelve más interesante, e inquietante. La narración tiene tres fases, la primera es desde la visión de Clifton Webb, que interpreta a su “Pigmalion”, que está enamorado hasta las trancas; la segunda es narrada desde la perspectiva del policía que investiga el asesinato y, finalmente, la última parte seran los ojos de Laura los que guían la narrativa. 

Tal vez la sinopsis no sea muy acertada, pero, para quien no conozca esta estupenda película, confío le pueda servir de ayuda. Por supuesto que, quien la haya visto, les puedo garantizar que encontrarán matices, y detalles, nuevos con su visionado. La música les quedará fijada en el recuerdo irremisiblemente, y de los diálogos ni les cuento, porque tiene tal nivel de “joyas verbales” que se debería pagar impuesto de lujo en cada visionado (especialmente acerados, y brillantes, los de Clifton Webb). Estuvo nominada en cinco categorías, a los premios antes citados, obteniendo el de la mejor fotografía de la mano de Joseph LaShelle. Sin llamarme César de nombre, y Bakken de apellido, afirmo que dicho galardón estuvo más que justificado, porque el treslao del susodicho en esta cinta fue, sencillamente, colosal. No se lo que tienen (en realidad si lo sé) estas formidables películas en blanco y negro, del cine clásico, que, visualmente, te “hipnotizan”. 

Aunque me he dejado los ojos tratando de encontrar un enlace, para que pudieran visionar esta obra maestra, no lo he conseguido. ¡Redios!, si hasta me he llegado a meter, en una página francesa de temática LGTBI con un montón de “tíos” morreandose, en la confianza de que podría encontrar un material, lo suficientemente contundente, como para que le pudieran hincar el diente. 

Lo único que voy a poder ofrecerles, cómo simbólicas, y pálidas, sombras de la obra original, son tres pequeños cortes, uno de los cuales es un pequeño ‘trailer’ para que se hagan una idea, y puedan escuchar las voces originales de los protagonistas, todas de primer nivel, al igual que lo son las de los actores de doblaje españoles, opinión nada gratuita ya que dispongo de esta película en mi videoteca (o deuvedeteca, para ser más preciso) particular. 

P.D.: ésto de escribir públicamente, si se es como Dios manda, exige de un mínimo de disciplina, no ya para acudir, puntualmente, a la cita que se tenga acordada, o comprometida, ¡qué también!, sino por el hecho de tratar de ampliar nuestros propios conocimientos previos para ofrecer algo “vivo” que también enriquezca al lector. Con ese criterio he estado pensando en qué “buscar” para este artículo, e invariablemente todos los caminos me llevaban al retrato de Laura, una obra pictórica que si no llevase casado, más de seis lustros, presidiria el salón de mi casa (afortunadamente dispongo de cariños, y obras de arte personalisimas, que convierten mi anterior afirmación en una licencia literaria). Sin embargo, les adelanto que, si albergan ese mismo anhelo, disponen de una acreditada solvencia económica y su situación conyugal se lo permite, no podrán materializarlo. Sí que se trató de realizar dicho cuadro, en concreto por parte de Azadia Newman, pintora y esposa de Robert Mamoulian, inicial director de esta película, hasta que Preminguer, que era el productor, lo despidió, mandando al cuadro en ejecución, y a su autora, a hacerle compañía. Para paliar el desaguisado mandó hacer una foto de Gene Tierney, a la que se le agregaron unas ceras para simular las pinceladas. 

En fin, que no existe ningún cuadro de Laura, pero usted, paciente lector, puede enriquecer los Recuerdos de su Vida con los que le proporcione el visionado de está estupenda película, porque los recuerdos tienen la virtualidad de que no se deterioran, ni envejecen, ni, salvo que una enfermedad mental degenerativa los haga pedazos, se los podrán robar, o modificar (y no se pagan impuestos, ¡hasta ahora, claro!). 

LUYS COLETO: Virus inventados, “vacunación” obligatoria, transhumanos controlados cerebralmente: cuando el anime japonés lo clavó.

Posted in © LUYS COLETO Non Serviam, CINE crítica y reflexiones on junio 23, 2021 by César Bakken Tristán

Comenzamos a escuchar informaciones de una pandemia masiva, una enfermedad desconocida que estaba arrasando el país. Los detalles fueron vagos al inicio, nada sobre la causa o transmisión de la enfermedad. Solamente que era altamente contagiosa y en la mayoría de los casos, fatal. Antes siquiera de que la gente tuviese tiempo de reaccionar, el gobierno ordenó la vacunación obligatoria “para protegernos”, pero eso fue el comienzo de nuestra pesadilla. La enfermedad fue una total invención del gobierno, y la vacuna en realidad era un ciber virus. El virus de la vacuna alteraba nuestras células convirtiéndolas en bio-metal y nos transformaba en máquinas. La vacuna estaba en su fase experimental y nunca había sido probada. El veneno de la vacuna progresaba por todo el cuerpo hasta que finalmente llegaba al cerebro, momento en que nos convertíamos en androides controlados.

El problema de buscar la verdad es encontrarla y no saber qué hacer con ella…

Lo anteriormente leído, tan actual, pertenece a una magnífica obra cinematográfica, Vexille. Anime del bueno, año 2007, dirigido por el egregio Fumihiko Sori (Ping-Pong, Ichi, Ashita no Joe…). Nos cuenta la historia de un Japón, año 2077, donde han transcurrido diez desde que se desvinculase definitivamente de la ONU y pasara a convertirse en un país completamente aislado del resto. Una suerte de campo magnético impide al resto del mundo acceder a este país donde la experimentación nano-bio-tecnológica se halla a la orden del día y sin limitación legal de tipo alguno.

Sin embargo, la ONU sospecha que algo extraño está sucediendo en el país asiático. Debido a ello envían un comando de milikitos de élite para conocer qué está ocurriendo exactamente en la nación del sol naciente. No tardarán en descubrir oscura e inquietante verdad que puede trasladarse al resto del planeta. Y, posible y plausiblemente, acabar con la raza humana. Mientras tanto, los que se niegan a “vacunarse”, son implacablemente perseguidos. Y, por supuesto, el villano que ha planeado todo esto en la sombra, claro, no se “vacuna”….

…Y se la dejo por si les interesa verla. Merece bastante la pena. Así resuelven el aciago misterio. Lo pueden intuir. En fin.